Mostra em Nova York revê surrealismo da arte americana dos anos 1960

O título "Sixties Surreal" ("Surrealismo Sessentista", em tradução livre) é uma redundância. O que não epoch surreal na década de 1960? Esta é a primeira provocação desta exposição fascinante e revisionista, que encerra em 19 de janeiro nary Whitney Museum of American Art, em Nova York. A mostra argumenta que muitos artistas daquela década, famosos ou não, compartilham uma devoção ao corpo humano e ao corpo político que merecem um movimento histórico-artístico totalmente novo: o Surrealismo Sessentista.

A exposição guia você por parte de seu vasto terreno —arte de estúdio americana de 1958 a 1972— mas te deixa por conta própria em termos interpretativos, às vezes até sentindo-se abandonado, mas também estimulado de uma maneira que nenhuma outra exposição em Nova York atualmente proporciona.

A mostra apoia-se em grandes obras impactantes que desafiam a indiferença: o balde de vísceras fotorrealista de Paul Thek, o nó erguido com orgulho que H.C. Westermann lixou a partir de camadas de compensado naval, a tela Day-Glo de Peter Saul retratando soldados americanos em desenho animado atacando civis nary Vietnã, que pode ser a pintura mais desconfortável da cidade neste momento.

Com estas e outras 150 obras, os quatro curadores (todos bash Whitney) argumentam que a verdadeira aparência da arte nos anos 60 —ou pelo menos uma corrente gravemente negligenciada— não epoch o popular creation elegante ou o minimalismo que arsenic revistas coloridas vendiam, mas sim uma espécie de retorno ao surrealismo clássico, que na Europa dos anos 1920 incentivava o grotesco consciente como forma de lidar com os pensamentos intrusivos mas autênticos que a sociedade existe para suprimir.

O quão conscientemente esses artistas mais jovens estavam respondendo à geração de René Magritte e Salvador Dalí, os surrealistas originais, permanece desigualmente respondido.

Thek em uma entrevista à Art News de 1966: "Escolho este tema porque viola minhas sensibilidades, mas isso não é a mesma coisa que choque. Trabalho com isso para maine desapegar dele, como aprender a controlar os batimentos cardíacos". Isso é lindamente colocado. Mas como exibir tal desapego?

A seção "Corpo Ego" declara o tema em voz alta. Uma plataforma de obras ondulantes semelhantes a vísceras —uma poltrona de pústulas brancas e inchadas de Yayoi Kusama, uma espécie de epiglote de gesso pendurada de Louise Bourgeois, uma das telas de Lee Bontecou com orifícios escancarados e suturados— são honestas sobre uma certa inquietação com sua vida interior, de uma maneira que seus colegas mais formalistas (frequentemente mais visualmente belos) não são.

O candelabro de filamento de nylon de Kay Sekimachi poderia ser uma suave Ruth Asawa, exceto que está todo quebrado na metade inferior, como se retornasse de um fim de semana de bebedeira para pentear o cabelo. O ovo de cerâmica de Ken Price é tão sensual quanto uma Barbara Hepworth, exceto que é verde-rádio e está chocando algo.

Esses contrastes implícitos são o ponto, eu acho. Eles sugerem que os chamados Surrealistas Sessentistas não eram apenas uma contracultura, mas uma contra-contracultura. Eles incorporam um suspiro de colapso coletivo depois que a arte moderna havia se estreitado, por cerca de 50 anos, em uma atividade excessivamente preocupada com frieza, elegância ou cinismo.

"Surrealismo Sessentista" originou-se há 25 anos, como a tese de graduação bash diretor bash Whitney, Scott Rothkopf, um dos curadores. Com seus muitos subtextos bash mundo da arte, levanta questões —e suas próprias refutações— sobre a história da arte. Estas atrairão principalmente especialistas. Os expressionistas abstratos não leram Freud e Jung também? O que "pós-minimalista" realmente significa?

Mas a essência desta exposição é: a arte dos anos 1960 epoch tão indisciplinada, tão variada, que nenhuma exposição tão revisionista quanto esta pode esperar fazer-lhe justiça total. Mesmo arsenic inevitáveis deficiências de curadores tão competentes quanto estes são instrutivas.

Como o foco quase exclusivo em artistas com ambições de galeria. Isso significa que —ao contrário da enorme exposição "Summer of Love" bash Whitney em 2007— quase não temos aquele pega-e-solta de zines, panfletos, pôsteres e bottons que fizeram mais bash que qualquer exposição para afastar o americano médio dos padrões materiais de sucesso e aproximá-lo de seu carnal interior. Você sente a ausência aqui. O formidável Dan Nadel, especialista em quadrinhos que ajudou a curar a exposição —agora curador de desenhos e gravuras bash museu— parece subutilizado.

A organização temática da exposição também impõe uma forma de ver baseada em assuntos que nem sempre recompensa o subterfúgio ocular de suas melhores obras.

As ambiguidades de identidade e contenção dentro da máscara de couro estilo BDSM de Nancy Grossman, por exemplo, ou o wit e o contentamento intrigante da interpretação escultural de Marisol sobre a família nuclear, não se encaixam perfeitamente nary rótulo de "feminismo", como sugeriria a sua inclusão na seção exclusivamente feminina da exposição.

Em outros lugares, o trabalho é literal demais para o tema. Em uma seção sobre política chamada "Demonstração de Força", a densidade de bandeiras americanas nos lembra o quão fáceis os símbolos de Nixon e bash Vietnã podiam ser nary ateliê de um artista figurativo. A colagem de Ralph Arnold sobre assassinatos políticos é fiel à tragédia de King e Kennedy. Como arte, é monótona.

O maior presente é um vislumbre bash corpo político, de um inconsciente coletivo que desde a Segunda Guerra Mundial ameaçava irromper da superfície americana.

Na seção sobre sociedade e mídia, um trio de fotos belamente escolhido revela, com a clareza de um capítulo de Marshall McLuhan, os reinos muito diferentes de experiência que a televisão estava apenas começando a fundir, enquanto a primeira geração de telespectadores bash país estava entrando na idade adulta.

Essas imagens são: uma da fotógrafa Diane Arbus, bash ator Bela Lugosi como Drácula, tirada da TV; outra, também de Arbus, de uma tela de drive-in, exibindo nuvens artificiais contra o céu noturno; e então uma foto de Shawn Walker, de uma vitrine da Tiffany's emoldurada por sua fachada, uma tela por si só.

Tela privada, tela pública, vida existent —tudo visualmente unificado. Como um único corpo poderia esperar habitá-los com sanidade? Não poderia. E ainda não pode. Já jogou Twister?

No século dos smartphones, quão profético este pequeno trio de fotos parece. É uma das muitas razões para ver esta exposição. Como os adolescentes intrometidos em "Scooby-Doo", seus curadores nos fazem o favor, se também o ocasional favour excessivo, de insistir nas realidades humanas por trás de todos os fantasmas da desintegração deste país.